Pop Art

A Pop Art, ou Popular Art foi um movimento essencialmente artístico surgido durante a década de 1950, na Inglaterra, e que se difundiu, durante os anos de 1960, atingindo seu auge em Nova York; ao contrário do que o nome possa indicar, não pode ser considerado como um fenômeno de cultura popular, mas como uma interpretação pelos artistas deste movimento da cultura dita popular e de massas.

 

Definições da Pop Art

Este fenômeno artístico baseou-se, em grande medida, na estética da cultura de massas, a mesma criticada pela Escola de Frankfurt. Seus artistas trabalhavam com cores inusitadas e massificadas pela publicidade, donde elegiam as imagens pictóricas e os símbolos de natureza popular. Sem espanto, eles ironizavam esses símbolos de modo a constituir uma crítica implícita ao excesso de consumo da sociedade capitalista, a qual é abundantemente incentivada pela dimensão publicitária, cinematográfica, etc.

Não obstante, os integrantes deste movimento artístico priorizavam a utilização de cores vivas, bem como podiam alterar o formato dos objetos representados, os quais eram, muitas vezes, repetidos seguidamente mas com cores distintas, tal qual fizeram seus precursores dadaístas e surrealistas. Note que, apesar de diferirem pelo mundo a fora, os artistas mantinham as mesmas temáticas, o desenho simplificados e as cores saturadas enquanto elemento agregador do movimento artístico.

Não obstante, a Pop Art buscava evidenciar a crise da arte do século XX, por meio de um retorno à arte figurativa, a qual fazia um bom contraponto ao Expressionismo alemão e ao hermetismo da arte moderna. É importante notar aqui que na Pop Art recusa-se a separação entre arte/vida, daí uma arte pop capaz de se conectar ao seu público a partir de signos e símbolos extraídos do imaginário da cultura de massa e da vida cotidiana. Este feito fora levado a cabo quando estes artistas utilizaram na arte a linguagem do design comercial, e, com isso, diluíram as diferenças que separavam arte erudita de arte popular.

Principais Expoentes da Pop Art

O Independent Group (IG), estabelecido em Londres no ano 1952, é considerado o precursor do movimento de Pop Art, donde as obras dos artistas britânicos acolheram a cultura industrial nos trabalhos de Eduardo Luigi Paolozzi (1924-2005), Richard Smith (1931) e Peter Blake (1932). Já nos Estados Unidos, os artistas produziram de modo isolado até 1963, quando suas obras passaram a ser reunidas e expostas em galerias de arte. Os principais nomes deste período foram Andy Warhol (1928-1987), Roy Lichtenstein (1923-1997), Claes Oldenburg (1929), James Rosenquist (1933) e Tom Wesselmann (1931-2004).

 

Pop Art no Brasil

No Brasil, a Pop Art surgira no contexto da ditadura militar e fora usada como instrumento de crítica ao sistema; os principais nomes da pop art brasileira foram Antonio Dias (1944), Rubens Gerchman (1942-2008), Claudio Tozzi (1944).

 

Curiosidades

 

·         Andy Warhol tornou-se o representante mais conhecido da Pop Art no Mundo, ao retratar ídolos da música popular e do cinema, tal qual Michael, Elvis Presley, nos quais o artista evidenciava o quanto estas figuras são impessoais e vazias. Representou também a impessoalidade do objeto ao reproduzido as garrafas de Coca-Cola e as latas de sopa Campbell.

 Série em negativo: Marilyn - Andy Warhol

Homem e Papagaio - Cláudio Tozzi

Op-arte

Op Art

A “Op Art” ou “Optical Art” (Arte Ótica) foi um movimento artístico que atingiu seu auge na década de 60 nos Estados Unidos, Nova York, donde ocorreu a primeira exposição no Museu de Arte Moderna de Nova York (MOMA) intitulada “The Responsive Eye” (O Olho que Responde), em 1965.

Design Op Art

Baseado em recursos visuais, sobretudo na ilusão de ótica, esse movimento que expressa a mutabilidade do mundo e suas ilimitadas possibilidades, é fundamentado no mote “menos expressão e mais visualização”, e foi considerado uma variação do expressionismo abstrato, sendo seu precursor o artista húngaro Victor Vasarely, na década de 30.

Principais Características

As características do movimento Op Art são:

·         Tridimensionalidade

·         Efeitos óticos e visuais

·         Movimento e contraste de cores

·         Tons vibrantes (principalmente preto e branco)

·         Formas geométricas e linhas

·         Observador participante

·         Estilo abstrato

 

Principais Artistas e Obras

Os principais representantes do movimento da Op Art foram:

·         Victor Vasarely (1908-1997): artista húngaro considerado o “Pai da Op Art”. Foi influenciado pela arte cinética, construtivista e abstrata bem como ao movimento de Bauhaus, donde destaca-se sua obra “Zebra” (1938).

·         Alexander Calder (1898-1976): Conhecido por Sandy Calder, o artista estadunidense é famoso pelos “mobiles”, objetos compostos pela associação de formas geométricas (sobretudo retangulares) ao movimento do ar. Suas obras mais representativas são: Sem título (1931), Cone de Ébano (1933) e A Espiral (1958).

·         Luiz Sacilotto (1924-2003): principal representante da Op Arte e da arte concreta no Brasil, produziu esculturas e pinturas das quais se destacam: Estruturação com Elementos Iguais (1953) eConcreção 7553 (1975)

·         Adolph Frederick Reinhardt (1913-1967): conhecido com Ad Reinhardt, foi um artista estadunidense que se aproximou do movimento do expressionismo abstrato, da arte conceitual e minimalista. Muito famoso por suas pinturas "negras" na década de 60.

·         Jesús-Raphael Soto (1923-2005): artista venezuelano famoso pelos seus “penetráveis”, obra destinadas a penetração do público como forma de interagir com o produto artístico; destacam-se Estrutura cinética (1957), Volume suspendido (1967) e Paralelas vibrantes (1969).

·         Kenneth Noland (1924-2010): pintor estadunidense, destacou-se com suas obras abstratas com vibração ótica unidas ao estilo denominado “Color Field”, intimamente ligado ao expressionismo abstrato.

·         Richard Allen (1933-1999): pintor britânico explorou a arte cinética, a op art, o minimalismo e a arte geométrica abstrata. Das obras da Op Art destacam-se os “Estudos para pinturas de Op de preto e branco” (1963-1972).

 

Curiosidade

 

·         Outros artistas que merecem destaque na Op Art são: Larry Poons, Yaacov Agam, Bridget Riley e Youri Messen-Jaschin, Tony Delap, Josef Albers e Heinz Mack

 

 Concreção 7553- Luiz Sacilotto

Vega 200 - Victor Vasarely

Futurismo

Futurismo

Introdução 

O futurismo foi um movimento literário e artístico iniciado em 1909. Foi Felippo Marinetti, poeta italiano, quem começou este movimento com a publicação do Manifesto Futurista. Ele fez parte da primeira vanguarda futurista.

Características do Futurismo:

- Desvalorização da tradição e do moralismo;

- Valorização do desenvolvimento industrial e tecnológico;

- Defesa de uma ligação entre as artes plásticas e o mundo moderno;

- Propaganda como principal forma de comunicação;

- Uso de onomatopeias (palavras com sonoridade que imitam ruídos, vozes, sons de objetos) nas poesias;

- Poesias com uso de frases fragmentadas para passar a ideia de velocidade;

- Pinturas com uso de cores vivas e contrastes. Sobreposição de imagens, traços e pequenas deformações para passar a ideia de movimento e dinamismo;

Futurismo na Itália

Foi em território italiano que o futurismo ganhou grande notoriedade. O fascismo italiano teve grande influência neste movimento artístico na Itália. Os principais artistas plásticos futuristas italianos foram Luigi Russolo, Umberto Boccioni e Carlo Carrá.

Futurismo na Rússia

O movimento futurista russo recebeu forte influência do socialismo, principalmente após a Revolução Russa de 1917. O grande expoente da poesia futurista russa foi o poeta Vladimir Maiakovski, que fez uma ligação entre a arte e o povo.

Futurismo no Brasil

No Brasil, o futurismo teve grande influência na produção artística de artistas ligados ao movimento modernista. Anita Malfatti e Oswald de Andrade entraram em contato com Marinetti e seu Manifesto Futurista. Muitas ideias e conceitos futuristas foram incorporados às obras destes modernistas brasileiros. Pode-se observar estas influências na Semana de Arte Moderna de 1922.

 

O dinamismo de um automóvel - Luigi Russolo

Surrealismo

 

Surgimento e história do movimento surrealista

O surrealismo surgiu na França na década de 1920. Este movimento foi significativamente influenciado pelas teses psicanalíticas de Sigmund Freud, que mostram a importância do inconsciente na criatividade do ser humano.

 De acordo com Freud, o homem deve libertar sua mente da lógica imposta pelos padrões comportamentais e morais estabelecidos pela sociedade e dar vazão aos sonhos e as informações do inconsciente. O pai da psicanálise, não segue os valores sociais da burguesia como, por exemplo, o status, a família e a pátria.

O marco de início do surrealismo foi a publicação do Manifesto Surrealista, feito pelo poeta e psiquiatra francês André Breton, em 1924. Neste manifesto, foram declarados os principais princípios do movimento surrealista: ausência da lógica, adoção de uma realidade "maravilhosa" (superior), exaltação da liberdade de criação, entre outros.

Os artistas ligados ao surrealismo, além de rejeitarem os valores ditados pela burguesia, vão criar obras repletas de humor, sonhos, utopias e qualquer informação contrária a lógica.

Outros marcos importantes do surrealismo foram a publicação da revista A Revolução Socialista e o segundo Manifesto Surrealista, ambos de 1929. Os artistas do surrealismo que de destacaram mais na década de 1920 foram: o escultor italiano Alberto Giacometti, o dramaturgo francês Antonin Artaud, os pintores espanhóis Salvador Dalí e Joan Miró, o belga René Magritte, o alemão Max Ernst, e o cineasta espanhol Luis Buñuel e os escritores franceses Paul Éluard, Louis Aragon e Jacques Prévert.

A década de 1930 é conhecida como o período de expansão surrealista pelo mundo. Artistas, cineastas, dramaturgos e escritores do mundo todo assimilam as idéias e o estilo do surrealismo. Porém, no final da década de 1960 o grupo entra em crise e acaba se dissolvendo.

ARTES PLÁSTICAS

Foi através da pintura que as idéias do surrealismo foram melhor expressadas. Através da tela e das tintas, os artistas plásticos colocam suas emoções, seu inconsciente e representavam o mundo concreto.

O movimento artístico dividiu-se em duas correntes. A primeira, representada principalmente por Salvador Dalí, trabalha com a distorção e justaposição de imagens conhecidas. Sua obra mais conhecida neste estilo é A Persistência da Memória. Nesta obra,  aparecem relógios desenhados de tal forma que parecem estar derretendo.

Os artistas da segunda corrente libertam a mente e dão vazão ao inconsciente, sem nenhum controle da razão. Joan Miró e Max Ernst representam muito bem esta corrente. As telas saem com formas curvas, linhas fluidas e com muitas cores. O Carnaval de Arlequim e A Cantora Melancólica, são duas pinturas de Miró que representam muito bem esta vertente do surrealismo.

LITERATURA  

Os escritores do surrealismo rejeitaram o romance e a poesia em estilos tradicionais e que representavam os valores sociais da burguesia. As poesias e textos deste movimento são marcados pela livre associação de idéias, frases montadas com palavras recortadas de revistas e jornais e muitas imagens e idéias do inconsciente. O poeta Paul Éluard, autor de Capital da Dor e André Breton, autor de O Amor Louco, Nadja e Os Vasos Comunicantes, são representantes da literatura surrealista. Podemos destacar também o romancista e poeta surrealista francês Louis Aragon, autor de O camponês de Paris e A semana santa.

CINEMA  

Os cineastas também quebraram com o tradicionalismo cinematográfico. Demonstram uma despreocupação total com o enredo e com a história do filme. Os ideais da burguesia são combatidos e os desejos não racionais afloram. Dois filmes representativos deste gênero do cinema são Um Cão Andaluz (1928) e L'Âge D'Or (1930) de Luis Buñuel em parceria com Salvador Dalí.

TEATRO

O dramaturgo francês Antonin Artaud é o maior representante do surrealismo no teatro, através de seu teatro da crueldade. Artaud, buscava através de suas peças teatrais, livrar o espectador das regras impostas pela civilização e assim despertar o inconsciente da platéia. Um das técnicas usadas pelo dramaturgo foi unir palco e platéia, durante a realização das peças. No livro O Teatro e seu duplo, Arnaud demonstra sua teoria.

Sua obra mais conhecida é Os Cenci de 1935, onde ele conta a vida de uma família italiana durante a fase do Renascimento.

Nas décadas de 1940 e 1950, os princípios do surrealismo influenciaram o teatro do absurdo.

O SURREALISMO NO BRASIL  

As idéias do surrealismo foram absorvidas na década de 1920 e 1930 pelo movimento modernista no Brasil. Podemos observar características surrealistas nas pinturas Nu e Abaporu de Ismael Nery e da artista Tarsila do Amaral, respectivamente.

A obra Eu Vi o Mundo, Ele Começava no Recife, do artista pernambucano Cícero Dias, apresenta muitas características do surrealismo. As esculturas de Maria Martins também caminham nesta direção.

 

Ismael Nery

A persistencia da memória - Salvador Dalí

Dadaismo

Dadaismo

·         Introdução 

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·         O dadaísmo foi um movimento artístico que surgiu na Europa (cidade suiça de Zurique) no ano de 1916. Possuía como característica principal a ruptura com as formas de arte tradicionais. Portanto, o dadaísmo foi um movimento com forte conteúdo anárquico. O próprio nome do movimento deriva de um termo inglês infantil: dadá (brinquedo, cavalo de pau). Daí, observa-se a falta de sentido e a quebra com o tradicional deste movimento.

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·         Características principais do dadaísmo:

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·         - Objetos comuns do cotidiano são apresentados de uma nova forma e dentro de um contexto artístico;

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·         - Irreverência artística;

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·         - Combate às formas de arte institucionalizadas;

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·         - Crítica ao capitalismo e ao consumismo;

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·         - Ênfase no absurdo e nos temas e conteúdos sem lógica;

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·         - Uso de vários formatos de expressão (objetos do cotidiano, sons, fotografias, poesias, músicas, jornais, etc) na composição das obras de artes plásticas;

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·         - Forte caráter pessimista e irônico, principalmente com relação aos acontecimentos políticos do mundo.

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·         Principais artistas dadaístas

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·         - Tristan Tzara 

·         - Marcel Duchamp 

·         - Hans Arp 

·         - Julius Evola 

·         - Francis Picabia 

·         - Max Ernst 

·         - Man Ray 

·         - Raoul Hausmann 

·         - Guillaume Apollinaire 

·         - Hugo Ball 

·         - Johannes Baader 

·         - Arthur Cravan 

·         - Jean Crotti 

·         - George Grosz 

·         - Richard Huelsenbeck 

·         - Marcel Janco 

·         - Clement Pansaers 

·         - Hans Richter 

·         - Sophie Täuber

Dadaísmo no Brasil

O dadaísmo no Brasil apresentou grande repercução na produção de alguns artistas nos primeiros anos da arte modernista, como obras de Flavio de Carvalho e Ismael Nery.

Em um texto no site Mundo Educação conseguimos a informação de que no Brasil o Dadaísmo tem referência através do escritor Mário de Andrade em seu livro Paulicéia desvairada, no qual há um poema chamado “Ode ao burguês”. Já no prefácio do livro, o autor recomenda que só deveriam ler o referido poema os leitores que soubessem urrar

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Auto Retrato - Ismael Nery 

A cidade inteira - Max Ernst